AVATAR - FUOCO E CENERE cerca "l'unica cosa pura a questo mondo"
SCHEDA
TITOLO ORIGINALE: Avatar: Fire and Ash
USCITA ITALIA: 17 dicembre 2025
USCITA USA: 19 dicembre 2025
REGIA: James Cameron
SCENEGGIATURA: James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver
CON: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Kate Winslet
GENERE: fantastico, fantascienza, avventura, azione, drammatico, guerra
DURATA: 197 min
VOTO: 9
RECENSIONE:
Con Fuoco e cenere, James Cameron trasforma ancora una volta Avatar in un evento che va oltre la mera pratica o il solo concetto di sequel: un laboratorio visivo e mitologico in cui la stereoscopia diventa etica dello sguardo e un compositing di forme e generi – dal western al war movie, dalla fantascienza alla tragedia familiare – dà vita a un mondo-immagine che interroga il cinema dalle fondamenta.
Dream As One. Quale miglior definizione di cinema se non questa: un sogno all’unisono, collettivo e simultaneo, come uno. Come se la platea di una sala buia si facesse unico, eppure sempre nuovo corpo spettatoriale che si emoziona, gioisce, immagina assieme. Un corpo che si lascia attraversare dalla stessa luce, dal medesimo tempo artificiale che prende forma sul grande schermo. Un abbraccio a occhi aperti. Un patto silenzioso. Una momentanea sospensione dell’io a favore di un noi, sempre più raro e inconsueto nel presente che abitiamo.
Qualcosa dalle radici antiche e profonde che, tuttavia, non smette di procedere di pari passo con l’innovazione e le trasformazioni della modernità. Il luogo in cui l’immagine non si limita a essere vista, ma diventa esperienza condivisa: sentita, attraversata, ricordata insieme. Un’immagine permeabile, tattile, epifanica, travolgente e avvolgente, capace di squarciare il velo di Maya della percezione – come pure della disillusione, dello scetticismo, dell’indifferenza postmoderna – per insinuarsi nel subconscio e continuare a vibrare e persistere negli sguardi di chi esce da questo unico e (ir)ripetibile sogno comune.
Ormai si sa: l’arrivo di un nuovo capitolo di Avatar rappresenta puntualmente, inderogabilmente, anche e soprattutto un appuntamento con il cinema in sé e per sé. È un happening; una liturgia collettiva che purifica, pacifica, rinsalda, rinnova e rilancia la nostra connessione con esso proprio perché, ogni volta, lo mette in discussione, lo interroga, lo misura e lo scandaglia fin dalle fondamenta. Perché ne collauda ogni minima e massima possibilità, analizza il precipitato estetico, culturale e politico, decodifica il materiale genetico, restituendo così l’idea, la visione, il concetto stesso di un fenomeno sospeso tra incantesimo e formula, tra magia e scienza. Che è logico, spiegabile, verificabile, misurabile; ma anche istintivo, imprendibile, impenetrabile, misterioso ed enigmatico. Qualcosa in cui credere semplicemente, incondizionatamente.
Un po' come il fascino imperituro, la bellezza vertiginosa, l’incanto assoluto ed edenico – bigger than life e bigger than screen – di Pandora nell’incontro con lo sguardo e l’ingegno di James Cameron, cantore e mago, architetto e biologo, neuroscienziato e pioniere, visionario e filosofo.
In poche parole, la prova vivente di un’altra permeabilità e sconfinatezza: quella del ruolo stesso del regista. Colui che, ancora una volta, rievoca, reimmagina e rivitalizza davanti ai nostri occhi il frutto di un richiamo insopprimibile e inebriante, di una follia lucida quanto necessaria, essenziale, vitale a cui “la vita (e quindi l’opera) si riduce”.
È l’attrazione verso un mondo attraverso cui (ri)vedere davvero il nostro. Verso una storia che diventa la Storia di tutti noi. Nella quale si innesta consapevolmente il monomito descritto da Joseph Campbell: una parabola capace di trattenere in sé l’essenzialità dell’esperienza umana, imperscrutabilmente densa, ricca, vasta, complessa, al netto di una linearità di fondo indispensabile e, in parte, obbligata – dalle onerose condizioni di produzione e dai parimenti elevati requisiti di profitto – per poter raggiungere un pubblico il più ampio e universale possibile. Per poter arrivare a tutti, indistintamente.
Una struttura che contempla e abbraccia la ciclicità innata di gesti, situazioni, difficoltà, conflitti e riconciliazioni, secondo un andamento rituale e reiterativo che non è segno di povertà o pigrizia creativa, bensì di grande consapevolezza e chiarezza d’intenti. Perché la ripetizione, nel mito, non è mai semplice replica: è variazione, ritorno pregno di senso. Proprio questa ciclicità è la linfa vitale del mondo di Avatar, e Fuoco e cenere lo rende ancor più evidente di quanto già non facesse La via dell’acqua, in cui Cameron sceglieva deliberatamente di rifare – o “rimasterizzare” – il film originale.
Ebbene, solo tre anni dopo il cineasta compie un’operazione analoga: mira ancora una volta a (ri)fare lo stesso film nella sua ossatura narrativa, talvolta persino nelle situazioni, nelle sequenze e nelle inquadrature. E ciò nondimeno riesce a mantenere intatti, se non ad ampliare la meraviglia e lo stupore visivo, conferendo una fisionomia distinta a questo nuovo capitolo delle vicende di Jake Sully e della sua famiglia. Che si configura allora come un altro, riuscitissimo esemplare di film-clone (termine chiave del vocabolario mitopoietico di Pandora), consapevole nella sua opera di trasmigrazione di archetipi sempiterni, echi, memorie e riflessi di un passato - prossimo o remoto che sia - in un corpo nuovo, in perenne mutamento, transizione e ridefinizione fisica e insieme esistenziale, culturale, ideologica.
“I See You”. In fondo, si torna sempre lì. Solo che, questa volta, dopo aver gettato le basi di un nuovo modo di intendere la visione come atto sovversivo (Avatar) e averci fatto (ri)prendere contatto con un corpo cinematografico rinnovato, con una forma di spettacolo riscoperta e riattivata (La via dell’acqua), anche l’orizzonte umano e narrativo su cui Cameron posa lo sguardo muta di conseguenza. Detto altrimenti: così come è cambiata la nostra esperienza di spettatori, cambiano i personaggi. Figure che restano fedeli ai propri capisaldi identitari, ma che sono ora chiamate a rinegoziarli, metterli alla prova all’interno di un mondo che ciclicamente evolve, si complica e si oscura in maniera speculare al nostro.
In questo senso, Fuoco e cenere si configura come un secondo tempo diretto di una storia che non aveva ancora trovato la sua conclusione e che riprende proprio da dove sia era interrotta. La tragica morte del primogenito Neteyam è la ferita ancora aperta e pulsante attorno a cui si struttura l’intero racconto: un trauma collettivo, vissuto e metabolizzato - va da sé - in modo profondamente diverso da ciascun membro del clan Sully.
Neytiri incarna una mater dolorosa di ascendenza iconografica quasi cristologica, ma privata di ogni possibilità di sublimazione o perdono. Il suo dolore non conosce compromessi, anzi si irrigidisce in un rifiuto assoluto, viscerale, della figura di Spider, il figlio umano del colonnello Quaritch che si ritaglia un ruolo di enorme rilievo in questo terzo capitolo. In lui, la Omaticaya non vede un ragazzo, né tantomeno un possibile membro della famiglia, quanto il segno tangibile di una colpa irrimediabile: la seconda generazione degli invasori, il corpo vivo della violenza subita, della perdita irreversibile.
Il secondogenito Lo’ak, dal canto suo, interiorizza la morte del fratello alla stregua di una colpa personale. Il senso di inadeguatezza che già lo attraversava si trasforma ora in un’urgenza di espiazione, nel bisogno di dimostrare il proprio valore, di “fare la cosa giusta”, laddove il nostro Jake reagisce rifugiandosi nella strategia e nella previsione. Prepara le armi, studia il territorio, pianifica il conflitto, consapevole dell’inevitabile ritorno della Gente del Cielo. È una risposta che tradisce sia il suo passato militare sia la sua natura umana, a dispetto delle apparenze, e con essa l’impossibilità di elaborare il lutto se non traducendolo in controllo.
È in questo clima di tensione latente e dolore irrisolto che prende forma la decisione di intraprendere una spedizione verso nord, concepita teoricamente come un’occasione di ricomposizione, forse addirittura di guarigione. Un viaggio “per tutta la famiglia” finalizzato a scortare Spider “dalla sua gente” a bordo della nave volante di una ciurma di mercanti del vento. Un proposito fragile, minacciato da un Quaritch sopravvissuto, sempre più ambiguo ma non meno spietato, deciso una volta per tutte a reclamare suo figlio, e distrutto poi definitivamente dall’irruzione di Varang, leader e tsahik della tribù piromane e sterminatrice dei Mangkwan, destinata ad intrecciare la propria ferocia ferina e sanguinolenta con le ossessioni personali del colonnello…
Seppur il suo arco narrativo non sia tanto potente e incisivo come il suo design e l’interpretazione magnetica, elettrizzante, molto fisica che ne offre Oona Chaplin, nipote di Charlie - capostipite di un cinema fondato quasi esclusivamente sulla forza primigenia, pura delle immagini in movimento –, Varang si impone comunque come una presenza perturbante che rivela una deviazione interna al mondo di Pandora. Non più soltanto l’alterità umana, il colonialismo industriale, la follia tecno-capitalista degli invasori, ma una frattura endogena, un’ombra che nasce e si propaga dall’interno dello stesso ecosistema Na’vi col quale Cameron raddoppia e rilancia il senso di pericolo e i contrasti.
È altresì il volto di un fanatismo che si nutre di odio e violenza, di una spiritualità corrotta e piegata alla guerra. L’altra faccia del sacro, il suo riflesso oscuro. E ancora, una figura-soglia ad una maturità ulteriore della saga - mai così violenta, tenebrosa, a tratti erotica e sessuata - così come a nuove forme, derive, toni, temi, dilemmi etici e morali.
In Avatar - Fuoco e cenere, la stereoscopia non è più semplice strumento di immersione spettacolare. Cameron la dà per acquisita e la piega ad un uso più maturo: la profondità tridimensionale aderisce ai corpi, ne segue le esitazioni, le fratture emotive, i conflitti interiori. Lo spazio non avvolge più i personaggi dall’esterno, ma sembra propagarsi da loro, trasformandosi in una misura etica di scelte, distanze generazionali, responsabilità assunte o negate.
Su questa rigenerata base percettiva, si innesta un (al solito) poderoso lavoro di compositing di estetiche e riferimenti che ingloba porzioni sempre più ampie e variegate dello scibile umano, quasi si trattasse di un suo scrigno enciclopedico e immaginifico. La fantascienza - che il regista di Terminator e Aliens attraversa da veterano arricchendola di schegge kubrickiane - non è più solo un genere, ma uno spazio in cui tecnologia, biologia, mito e politica collassano in un’unica visione. A dominarlo è sempre l’ombra lunga del western fordiano, seminale e fondativo, con i suoi attacchi a diligenze (volanti), rapimenti e stalli armati, che mantengono attiva la revisione (tipica) del mito americano e della frontiera come luogo di violenza originaria.
Questa volta però tale impianto si intreccia con un war movie di chiara discendenza tolkieniana - tant’è che potremmo definire questo terzo capitolo come una specie di Le due torri in chiave cameroniana, spartito tra l’omaggio e la variazione. Non mancano inoltre influssi cormaniani, la spiritualità new age connaturata alla saga - che si incupisce, ragionando sulla corruzione dei nativi per mano umana - e la tragedia familiare, di matrice apertamente shakespeariana, con una particolare attenzione rivolta al conflitto tra padri biologici e putativi che avvicina curiosamente Fuoco e cenere al quasi coevo Una battaglia dopo l’altra di Paul Thomas Anderson, con le sue identità ereditate e da reinventare che si scontrano mediante corpi sempre in fuga. A completare il quadro, vi sono infine le immancabili fusioni e convergenze coi linguaggi del videogioco (per affinità) e dell’animazione giapponese (per composizione, modelli e densità filosofica).
Passato e presente, tradizione e modernità, frontiera, sacro e post-umano trovano così compimento in un unico (e nuovo) mondo-immagine. In un’opera che non cerca soltanto il più grande spettacolo di memoria demilliana, né tantomeno il respiro essenziale del blockbuster, ma qualcosa di più fragile eppure ancor più assoluto e totalizzante. “L’unica cosa pura a questo mondo”. O forse, l’unica che ci resta: “prenderci per mano e cantare tutti insieme” attorno ad un fuoco (virtuale, eppure a tratti più reale del reale). Quel cinema che, per quanto vale, ha ancora senso di esistere.
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